Rihanna, Beyoncé, Madonna, Harry Styles, Bad Bunny… Ils sont tous passés devant l’objectif du Brésilien Rafael Pavarotti, propulsés dans un univers où la photographie de mode flirte dangereusement avec le cinéma, la peinture classique ou encore l’imagerie mythologique. Un univers reconnaissable entre mille qui se déploie en plus de 130 tirages au Musée des Arts décoratifs, devenu pour l’occasion un grand théâtre chromatique peuplé de corps sculpturaux et de couleurs qui claquent. Drapés spectaculaires, accessoires, poses hiératiques, éclairages sculpturaux et fonds saturés composent des tableaux où les modèles deviennent impératrices, déesses ou guerrières. Naomi Apajok pour Balmain, Adhel Bol en Versace pour Perfect Magazine ou Jeremiah Berko Fordjour pour Dior, photographié en collaboration avec le peintre Amoako Boafo, illustrent à la perfection cette esthétique théâtrale. La pop culture fournit les visages, la mode, les costumes, et l'histoire afro-autochtone brésilienne, les récits.
Difficile de nier que, pendant trop longtemps, la mode a négligé les peaux noires, entre éclairages inadaptés, carnations écrasées, détails escamotés, voire carrément effacement total des pages glacées des magazines. Rafael Pavarotti, lui, prend le contre-pied du traitement dominant et en a justement fait le cœur battant de son œuvre. Les peaux noires, il les éclaire, il les sculpte, il les sublime. Bien plus qu’esthétique, le geste est politique : enfin, un photographe leur donne les premiers rôles, plutôt que de les cantonner à la figuration. La couverture de British Vogue de septembre 2022, réunissant neuf mannequins noires, en est l'emblème. Un moment historique, même si l'on peut s'interroger sur la capacité d'une industrie du luxe à transformer ses coups d'éclat inclusifs en changements durables.
Le parcours, des premiers travaux aux commandes internationales, dévoile ainsi les coulisses de cette fabrique d'images, entre carnets de croquis, magazines et silhouettes sur mannequins. Le dialogue avec les archives du musée, de Donyale Luna à Naomi Campbell, inscrit cette révolution esthétique dans une histoire plus longue, plus complexe, qui prouve, une nouvelle fois, que la mode n’a rien de superficiel. Mais le plus surprenant réside cependant dans la dernière partie, « An Altar to Memory », qui ouvre le parcours à un autre horizon, sorte de virage inattendu qui vient réveiller une déambulation désormais habituée aux images saturées. Divinités yoruba, peuple tupi et esprits afro-brésiliens s'y rencontrent dans une sorte d'autel photographique, où la couleur n'est plus un simple parti pris esthétique, mais le témoin d’une mémoire vivante, nourrie par les origines amazoniennes du photographe. On ressort avec la rétine en fête et quelques questions en tête : si la mode apprend enfin à regarder autrement, saura-t-elle aussi changer ses règles du jeu ?
