Expositions • Dernières critiques

À bientôt 70 ans, Anita Molinero cultive toujours un geste radical : arracher des biens industriels aux déchèteries auxquels ils appartiennent pour leur offrir une « seconde vie ». Pour un résultat aux notes monstrueuses qui flirte avec une esthétique SF 100 % assumée, et dont Extrudia offre d’éclatants exemples à travers la réunion d’une quarantaine d’œuvres d’Anita, retraçant l’ensemble de son parcours depuis les années 80 à nos jours. Il y a tout d’abord L’Irremplaçable expérience de l’explosion de Smoby. Ailleurs, c’est une poubelle éventrée, des visages de mannequins en fusion quasi magmatique ou de simples morceaux de polystyrène extrudé fondus qui disent et racontent la fin d’un monde en surchauffe. Coup de maître pour Anita, qui déploie ici avec une jubilation évidente les ressorts de son imaginaire apocalyptique, peuplé de textures fascinantes, de couleurs chatoyantes, de créatures impossibles. Bref, d’une beauté sauvage dont on n’est pas près de se remettre.

Nous sommes en 1978, Sophie Calle n’a que 25 ans et le grand hôtel a connu des jours meilleurs. Complètement vidé et désaffecté pour se préparer à devenir le spot favori des impressionnistes, l’hôtel devient l’atelier clandestin de la jeune Sophie. De cette époque, elle conserve un butin fait de bricoles rouillées et de trésors souillés, à partir desquels elle inventera tout un univers. Plus qu’une expo, c’est une œuvre totale que l’on est amené à voir au musée d’Orsay. Les objets et les photos la composant s’accompagnent de textes rédigés par son invité, l’archéologue Jean-Paul Demoule. Chaque œuvre est associée à deux commentaires : l’un bleu, l’un noir. L’un historique et factuel, l’autre complètement imaginaire (et souvent très marrant). Comme à son habitude, Sophie Calle nous plonge dans un monde entre rêve et réalité, enquête et documentation, ready-made et création. Avec, toujours, comme résultat, de la poésie à l’état pur.

Photographies mais aussi installations vidéo, sculptures, pièces sonores, performances… Le Jeu de Paume voit les choses en grand et prend une petite distance avec ses expos 100 % photos pour poser la question “Qu’est-ce que voir” ? L’exposition s’appuie sur une sélection de plasticien(ne)s ultra-quali dont les noms sont tous à retenir. Notre coup de cœur ? Les photographies en noir et blanc d’Ilanit Illouz, déjà très remarquées à Arles cet été. A mille lieues d’un white cube hermétique, l’espace joue avec les œuvres, leur donne un sens quasi in situ et s’amuse de notre perception. Ainsi, le Bain de lumière d’Ann Veronica Janssens – constitué de quatre sphères de verre remplies d’eau – ou encore les maxi-verres de Nina Beier reflètent et déforment leur environnement, évoluent au rythme des rayons du soleil et des passages des spectateurs. Pour résumer, c’est un événement zéro défaut qui nous accueille au Jeu de Paume jusqu’au 22 mai prochain.

Sous le regard (et les mains) de l’artiste canadienne Sabrina Ratté, des figures humaines muent en cyborgs, l’organique s’amalgame avec la robotique, les motifs floraux se disloquent selon des logiques improbables et nos structures urbaines sont drapées de contours énigmatiques, que ce soit à travers des vidéos moites, des installations sculpturales monumentales ou des créations sonores ésotériques. Plongé dans la pénombre, on découvre tour à tour de grands formats d’impression où trônent plusieurs déités hybrides, une grappe de paysages idylliques et des architectures aux notes futuristes. Le tout baigné de couleurs chatoyantes que diffusent, çà et là, plusieurs vidéos. Un design sonore d’orfèvre accompagne d’une musique « d’ambiance » chaque pièce – ou presque. On a même droit à une cacophonie digitale avec Distributed Memories, dantesque agrégat de supports technologiques disposés dans une pièce distincte du parcours. Une clôture d’expo qui laissera à coup sûr sonné.

Alors qu’on pensait avoir tout vu sur le mouvement impressionniste, le musée de l’Orangerie tire son épingle du jeu et présente Degas, Monet et tous leurs copains sous un angle inédit : celui de la déco. Car oui, il se décline aussi en peintures murales, céramiques, éventails et autres petits objets voués à mettre du beau dans le quotidien des artistes. Les artistes du XIXe avaient aussi conscience de la charge décorative de leur pratique. Et si l’on s’extasie aujourd’hui devant les Nymphéas de Monet – que le peintre nommait lui-même ses “grandes décorations” –, un spécialiste les comparait en 1874 à un “papier peint”. Ambiance. L’expo prend un parti très culotté, explorant une tout autre histoire de l’impressionnisme à travers un corpus ultra-qualitatif de près de 80 œuvres qui nous prouve que non, l’art n’existe pas que dans les musées. Pari réussi pour l’Orangerie qui signe une expo qui, soyons en sûrs, marquera l’histoire.

Encore une fois, le mastodonte super-numérique de la rue Saint-Maur voit double. Après le duo espagnol Dalí et Gaudí, il célèbre aujourd’hui deux autres géants de l’histoire de l’art : Paul Cézanne et Vassily Kandinsky. Au programme ? De la couleur, de la modernité et de l’émotion. Première escale de cette excursion en deux étapes ? Le Sud impressionniste du maître provençal Cézanne, version 2.0. Imaginé par Gianfranco Iannuzzi et le studio Cutback, le show numérique reproduit le traitement de la matière unique de Cézanne, rendant compte de son obsession pour la montagne Sainte-Victoire et nous invitant à pénétrer dans son univers coloré fait de natures mortes, de portraits et de vues du Sud. Et le tout en musique s’il vous plaît !

Passionné de mode ? Le Palais Galliera nous a concocté un petit cours d'Histoire allant des tenues du XVIIIe style Chronique des Bridgerton aux fringues les plus edgy de Rick Owens. Les robes qui se présentent à nous étaient soigneusement rangées, cachées dans le noir, ne sortant que très rarement pour une petite expo temporaire par-ci par-là. Pour les quelque 350 pièces exposées, c'est donc LA sortie de l'année : « Imprimés du XIXe siècle », « Robes cocktails des années 1950 », « Minimalisme des créateurs belges et japonais à partir des années 1980 »… L'événement pose aussi, un peu malgré lui, la question de l'institutionnalisation du vêtement : la mode est-elle un art comme les autres ? A voir la garde-robe de la comtesse Greffulhe (véritable icône de mode, sorte de Bella Hadid du XIXe) et les silhouettes déstructurées de Martin Margiela, il ne fait pas de doute : la mode a bel et bien sa place au musée. Et si vous en doutez, vous avez jusqu'au 26 juin pour vous laisser convaincre.

Coup de pot - pour nous -, à l’occasion de sa fermeture temporaire, le prestigieux Frick Collection a autorisé le transfert d’une partie de ses collections. Bilan à l’arrivée : une dizaine d’eaux-fortes composées à Venise. Ailleurs, c’est à la Tamise ou au port de Valparaiso (Chili) que Whistler offre consistance. Lorgnant du côté des maîtres flamands du XVIIe siècle ainsi que de Velásquez, Fantin-Latour et surtout Courbet, dont il fût l’élève et l’ami, Mister Whistler est aussi l’auteur de portraits à l’austérité magnétique. Cinq sont exposés à Orsay, tous sont de vraies pépites. Aussi et surtout, il y a cette saisissante triade de portraits en pied. De grands formats à la palette réduite (très sombre, ou très crème) harmonieusement mis en scène...

Joseph Beuys aura croqué le monde sans relâche, constituant un corpus d’esquisses extrêmement riche (on parle de quelque 10 000 dessins réalisés au cours de sa vie). C’est une centaine de ces ébauches que choisit de mettre en lumière le musée d’Art moderne. Un parti pris qui prend le contre-pied de la vingtaine d’expos allemandes qui mettent en avant l'icône, l’artiste radical et conceptuel qui a tant marqué l’histoire de l’art. Le MAM nous invite à pénétrer l’intimité plus poétique et douce de l’ex-prof des Beaux-Arts de Düsseldorf pour découvrir un dessinateur au trait fin, élégant, aussi modeste que l’expo qui le consacre. Si la position assumée du musée est à saluer, le manque de médiation transforme cette expérience, d’apparence simple, en un véritable casse-tête. Le corpus, très inégal – allant du brouillon hâtif au travail de recherche abouti –, n’est pas suffisamment rapproché de la pratique connue de Beuys et on déplore comme un manque de temps, voire d’ambition, de la part du musée parisien.

Pour sa nouvelle saison artistique, le Palais de Tokyo dévoile six expositions qui rêvent le « faire humanité » par-delà les frontières. Installations, peintures et films fêtent le métissage culturel, inoculent des pédagogies décoloniales. Et, surtout, fantasment une fraternité globalisée. Tout débute avec Ubuntu, un rêve lucide, l’expo chorale autour de laquelle s’articulent les cinq autres. Au total, 19 artistes donnent corps au concept africain d’« ubuntu » renvoyant à la solidarité, l’hospitalité. Et l’entraide. La saison se poursuit avec un parcours « pensé comme un album » par Jay Ramier sur les origines du hip-hop. Puis direction le night-club abandonné d’Aïda Bruyère, un « paysage de films » autour de la regrettée Sarah Maldoror, cinéaste devenue une icône des luttes indépendantistes. Pertinente, dynamique et porteuse d’espoir sur la question transnationale, cette programmation frappe juste face à l’urgence de l’actualité. De quoi réchauffer les cœurs, en ce novembre (un brin) morose.

Dans sept zones thématiques déployées autour de la Halle Aubervilliers, en libre accès, une trentaine d’artistes explorent les frontières de la réalité et la notion d’invisible dans les arts plastiques. A grands coups de réalité virtuelle, d’installations interactives et d’illusions d’optique, les espaces allient art et science pour un rendu des plus bluffant. Les fans de SF se verront projetés dans une sorte de conteneur ultra-futuriste signé Guillaume Marmin. Quant aux plus politiques d’entre nous, ils kifferont le travail de la plasticienne Heather Dewey-Hagborg qui tente, de révéler le visage de la lanceuse d’alerte Chelsea Manning. Si vous aimez les shows grandioses et les trips futuristes, il s’agit clairement d’une expo faite pour vous. Aussi sérieuse que ludique, Au-delà du réel ? constitue un laboratoire numérique unique dont on ressort tout chamboulé tant les œuvres présentées nous font vivre des expériences physiques et visuelles fortes. Une grande réussite.

Mugler au MAD, Margiela à Lafayette Anticipations, les sneakers au musée de l’Homme… Paris n’aura jamais autant mérité son statut de capitale de la mode ! Dernière expo fashion en date, Vogue Paris 1920-2020 boucle la boucle (de ceinture griffée) en retraçant l’histoire du média le plus illustre de la presse spécialisée. Aussi flamboyante que le média qu’elle célèbre, cette rétrospective s'ouvre avec plus de 1 000 couvertures de Vogue Paris tapissant la rotonde du Palais Galliera. Si l'on y parle de mode, de société ou d’art, la revue est, au moyen d'un parcours chronologique fait de strass et de paillettes, bel et bien la star de l’événement. D’abord gazette mondaine un brin arty dans les années 1920-1930, puis témoin du style de vie “à la parisienne” des 60’s, Vogue se fait vite révélateur de talents, du photographe Helmut Newton au styliste Tom Ford en passant par l'icône Kate Moss.