Les meilleures expos à faire en ce moment à Paris

A l’heure où le dérèglement climatique n’est plus une question, la Bourse de Commerce propose une expo collective à la mesure de l’urgence. Pour nous en faire prendre conscience, 15 artistes – dont les œuvres exposées sortent tout droit de la collection de M. Pinault – imaginent un monde où l’être humain et le vivant arrêteraient de se faire la guerre. Le parcours s’ouvre sur une impressionnante structure du plasticien danois Danh Vō soutenant un arbre agonisant qui se nourrit d’artefacts et de reliques. La métaphore d’une société qui se casse la gueule ? Peut-être. En tout cas, visuellement, ça claque. La suite de la déambulation nous éblouit aussi, proposant un tas d’alternatives postapocalyptiques. Le temps s’arrête et nous fait découvrir les mondes désertés de Diana Thater ou l’univers mutant d’Hicham Berrada. Pilotée par la nouvelle directrice générale de la collection Pinault et ancienne présidente du Palais de Tokyo Emma Lavigne, l’expo fera date, on vous l’assure. 

En 1929, à l’aube de sa sixième décennie, le peintre Henri Matisse entame une remise en question qui se matérialise par un changement de style radical. En quête d’inspi, Matisse la joue comme Gauguin et se barre à l’autre bout du monde, direction Tahiti. Un voyage synonyme de rupture qui le poussera à repartir vers les Etats-Unis pour se confronter à ses premiers travaux avec un œil aussi neuf que critique. Rassemblant une centaine d’œuvres dans une scéno parfaitement conçue, l’expo s’appuie sur quelques pièces d’exception rarement (voire jamais) exposées en France, comme Le Chant (1938). Dessins préparatoires, sculptures, archives, photos… La diversité des formats atteste de la profusion créative qui suivit son passage à vide. Si l’on craignait un truc peu inaccessible, il n’en est rien. Médiation et curation impeccables mettent parfaitement en valeur le travail de Matisse et sa capacité à se réinventer.

L’établissement du 16e donne la parole à Miriam Cahn, artiste façonnée par la deuxième vague du féminisme et la banalisation de l’horreur. A travers plus de 200 œuvres réalisées entre 1975 et aujourd’hui, Cahn évoque simultanément son cycle menstruel, le viol ou la guerre. L’espace – immense – invite à la déambulation, sans sens particulier. Si, d’habitude, le manque de cartels du Palais de Tokyo a tendance à nous agacer gentiment, il participe ici au dépouillement imaginé par Miriam Cahn et la commissaire de cette monographie, Marta Dziewańska. Il y a tellement d'œuvres à mater, tellement de sujets explorés, tellement de formats et de supports. Pas de cadres léchés ni de scéno super travaillée mais une honnêteté à crever le cœur, une immédiateté rare, surtout dans le milieu chiadé de l’art contemporain. 

Giovanni Bellini (1430-1516) est considéré comme le père de l’école vénitienne, un mouvement qui rompt avec le style gothique. Et pour la première fois en France, le musée Jacquemart-André lui offre une rétrospective à la hauteur. Dans une scéno un peu sombre, le musée revient à travers un parcours chrono-thématique sur les nombreuses influences et inspirations du peintre, qu’elles proviennent de son père, de l’art byzantin ou de la peinture flamande. Les tableaux et retables nous plongent direct dans la Cité des Doges, et l’on ne peut s’empêcher de sourire devant les coupes de Bee Gees dont le pauvre Jésus est affublé – et surtout les bébés cheum typiques des icônes chrétiennes de la Renaissance. Des petits êtres bodybuildés avec des têtes de vieillards qui représentent le Christ, interrogeant aussi bien les spectateurs que les théoriciens. Si certains estiment que la laideur des nourrissons est liée à un manque de pratique, d’autres estiment que cela renvoie à la double nature du Christ, né homme parfait.

Gros nom de la scène contemporaine, Fabrice Hyber s’illustre à la Fondation Cartier avec son projet La Vallée, une expo qui met en scène ses œuvres dans un cadre scolaire. Persuadé qu’on “peut apprendre des choses par les œuvres”, le plasticien illustre son propos de façon littérale et transforme le mastodonte de verre et de béton qu’est la Fondation Cartier en une école dotée d’un préau, de salles de classe et même d’espaces de motricité. Une scéno complètement inédite dans laquelle on s’émerveille, et on apprend. Poussant l’aspect pédagogique à fond, la Fondation Cartier agrémente chaque cartel d’un QR code renvoyant à des vidéos explicatives tournées par Hyber himself. Bien loin des expos contemporaines inaccessibles, La Vallée renvoie à des codes connus de tous et nous prouve que non, on n’a pas toujours besoin d’un doctorat en histoire de l’art pour capter le message d'œuvres contemporaines.

Alors que Miriam Cahn déroule sa pensée sérielle à l’étage le sous-sol accueille une quarantaine d’artistes dont les œuvres s’inspirent du VIH. Ici, le sida est moins sujet que prisme, à travers lequel on découvre de nombreux plasticiens, eux-mêmes exposés au virus. On avait un peu peur en commençant le parcours. Peur du pathos, peur du mauvais traitement de la maladie, peur du “sensationnalisme”. Mais le commissaire François Piron nous délivre une expo qui frôle la perfection. Allant bien au-delà d’une simple chronologie sur le sida, Exposé.es permet de faire cohabiter des œuvres aussi militantes que sensibles, qu’elles soient réalisées par des artistes emblématiques des années 80-90 comme Hervé Guibert, Félix González-Torres, Nan Goldin, ou par de jeunes plasticiens comme Benoît Piéron ou Lili Reynaud-Dewar. On parle du sida, certes, mais surtout de politique, d’intimité, d’amitié, d’amour. L’expo, d’utilité publique, nous prouve qu'au-delà des virus, le savoir et la tolérance aussi se transmettent.

A Beaubourg, dans une scénographie très (trop ?) sobre, on découvre les corps sculptés de Germaine Richier aux proportions atypiques, entourés de photos d’archives et de dessins préparatoires – qui tiennent une grande place dans l’exposition.  Le parcours de cette rétrospective, à la fois chronologique et thématique, s’ouvre sur ces portraits classico-classiques, réalisés après sa formation au sein de l’atelier d’Antoine Bourdelle. Lassé des visages, Richier se concentre vite sur les corps, qu’elle malmène autant qu’elle célèbre. Jambes interminables, torses voluptueux ou décharnés, silhouettes abstraites… Au fur et à mesure, l’humain fusionne avec l’animal et l’artiste imagine des créatures hybrides, inspirées de sa Provence natale. Araignée ou mante religieuse, les bestioles choisies célèbrent toutes le pouvoir féminin. Après plus d’un demi-siècle sans que l’on n’entende parler d’elle, sa récente mise en lumière permet une relecture féministe de son œuvre, dévoilant une artiste bien plus contemporaine que prévu.

Salvador Dalí et Alberto Giacometti, c’est un peu comme vous et Camille en 6e B : un jour BFF, le lendemain pires ennemis. Jusque dans les années 1930, les deux artistes étaient copains comme cochons – avant que des divergences artistiques et (surtout) politiques ne les éloignent. C’est à ce moment qu’ils ont imaginé un jardin d’Eden 2.0 pour la villa d’Hyères des mécènes Marie-Laure et Charles de Noailles (aka la Villa Noailles aujourd’hui). Une œuvre qui n’a jamais vu le jour mais que l’Institut Giacometti tente de faire (re)vivre le temps d’une expo. Lettres, dessins et maquettes agissent ici comme des indices essentiels à l’enquête minutieuse menée par les commissaires, dont la pièce maîtresse est sans nul doute la reconstitution du Projet pour une place de Giacometti, partiellement présenté à l'entrée, dans l'atelier. Un vrai jardin des délices !

Devenu un genre à part entière dès les débuts du cinéma, le film d’espionnage continue de cartonner dans les salles. Il faut dire que les œuvres mettant en scène des agents secrets ont tout pour plaire : intrigue, élégance, gadgets à gogo… On a beau connaître la recette par cœur, à chaque nouveau James Bond, on court au ciné. Comme à son habitude, la Cinémathèque propose une expo ludique et protéiforme pour nous raconter un pan de l’histoire du cinéma. Costumes, extraits vidéo, accessoires de tournage, mais aussi œuvres d’art extrêmement bien choisies, la Cinémathèque interroge, à travers une multitude de supports, les représentations, tantôt glamours, drôles ou inquiétantes, des espions à travers les décennies. Chapeau (melon et bottes de cuir) !

Après avoir cartonné au Victoria and Albert Museum de Londres, l’expo Kimono s’apprête à rhabiller Paname. Revenant sur l’histoire de cette sape iconique made in Japan, l’expo accumule plus de 200 modèles du fameux vêtement en T, provenant aussi bien de l’ère Edo (1603-1868) que des défilés de John Galliano. Suivant un parcours chronologique, les tenues de courtisanes, de samouraïs ou d’acteurs de kabuki (une forme de théâtre japonais) se transforment et s’adaptent, à l’image du Japon. A partir de l’ère Meiji (1868-1912), le pays du Soleil-Levant ouvre ses frontières et surtout son commerce, faisant du kimono le must-have de la garde-robe de l’élite européenne. Un succès qui ne se dément pas et qui ira même, dès le début du XXe siècle, jusqu’à influencer les plus gros noms de la mode. La dernière partie de l’expo, moins historique, atteste justement de l’influence majeure de cette pièce dans le dressing occidental. Spectaculaire, cet espace digne du musée des Arts déco présente des tenues d’exception. Beau moment pour finir !

Artiste noir.e, non-binaire et queer originaire de Durban, Zanele Muholi évolue dans une Afrique du Sud contrastée. Premier pays à inscrire les droits des personnes LGBTQIA+ dans sa Constitution, d’innombrables violences continuent d’y être perpétrées à leur égard. Muholi, né.e en 1972, s’est fait le témoin de ces persécutions, montrant au monde que l’amour survit même aux pires châtiments. A travers pas moins de 200 clichés, Zanele Muholi met les pleins phares sur ces communautés invisibilisées, leur rend la fierté qu’on a tenté de leur arracher. Les séries s'enchaînent, en noir et blanc ou en couleurs, et continuent d’attraper le public par le colbac. Les sourires des personnes transgenres érigées en reines de beauté nous mettent du baume au cœur quand les contrastes des autoportraits de Muholi nous fracturent la rétine. Tout est aussi beau que puissant. Une immense réussite.

L’expo retranscrit parfaitement l’esthétique de cette collaboration entre le couturier franco-tunisien Azzedine Alaïa et le photographe de mode américain Arthur Elgort. Et il faut bien dire que quand on arrive sous la nef du 18 rue de la Verrerie, ça claque. L’architecture de l’ancienne demeure et atelier du couturier, déjà incroyable, est sublimée par le travail des commissaires d'exposition Carla Sozzani et Olivier Saillard. Dans un élégant jeu de cache-cache, les joyeuses photographies d’Elgort sont mises en face des vêtements imaginés par Alaïa. Au fil des clichés et des fringues, c’est la liberté de la femme qui saute aux yeux ! Moins contraintes, moins statiques, les supermodels des années 1980 et 1990 font vivre cette rencontre avec légèreté, le sourire aux lèvres, bien loin de la moue boudeuse de rigueur habituellement. Une petite expo qui fait du bien.

En ce moment, au MAD, il faut aller jusqu’au troisième étage pour découvrir la rétrospective Etienne Robial. Si son blaze ne vous dit rien, on est quasiment sûr que vous avez déjà vu son travail. Si on vous dit Canal+, le PSG, Les Inrocks, L’Équipe, vous avez les logos en tête ? Eh bien ils sont tous signés Robial ! Graphiste, éditeur, directeur artistique, prof et même collectionneur, le type possède plus de casquettes qu’un hipster du Marais ! L’expo retrace ainsi plus de cinquante ans de création en faisant dialoguer ses projets avec des pièces de sa collection, celle du MAD, des objets Bauhaus, des œuvres de Malevitch ou même du simple matériel de cuisine. Ultra ludique, le parcours propose aux visiteurs de manipuler des lettres en papier et des Lego, de feuilleter des pages de magazines ou de découvrir des catalogues d’alphabets imaginés par Robial. Avec Etienne Robial, le MAD signe, encore une fois, une expo sans faute (de frappe).