Les expositions à voir en ce moment à Paris : toutes les critiques de Time Out Paris

Rihanna, Beyoncé, Madonna, Harry Styles, Bad Bunny… Ils sont tous passés devant l’objectif du Brésilien Rafael Pavarotti, propulsés dans un univers où la photographie de mode flirte dangereusement avec le cinéma, la peinture classique ou encore l’imagerie mythologique. Un univers reconnaissable entre mille qui se déploie en plus de 130 tirages au Musée des Arts décoratifs, devenu pour l’occasion un grand théâtre chromatique peuplé de corps sculpturaux et de couleurs qui claquent. Drapés spectaculaires, accessoires, poses hiératiques, éclairages sculpturaux et fonds saturés composent des tableaux où les modèles deviennent impératrices, déesses ou guerrières. Naomi Apajok pour Balmain, Adhel Bol en Versace pour Perfect Magazine ou Jeremiah Berko Fordjour pour Dior, photographié en collaboration avec le peintre Amoako Boafo, illustrent à la perfection cette esthétique théâtrale. La pop culture fournit les visages, la mode, les costumes, et l'histoire afro-autochtone brésilienne, les récits. Difficile de nier que, pendant trop longtemps, la mode a négligé les peaux noires, entre éclairages inadaptés, carnations écrasées, détails escamotés, voire carrément effacement total des pages glacées des magazines. Rafael Pavarotti, lui, prend le contre-pied du traitement dominant et en a justement fait le cœur battant de son œuvre. Les peaux noires, il les éclaire, il les sculpte, il les sublime. Bien plus qu’esthétique, le geste est politique : enfin, un photographe leur donne les...

Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi les artistes étaient plus stylés que la moyenne ? Il faut bien avouer qu’on les reconnaît parfois mieux à leur look qu’à leurs œuvres. Si le phénomène semble bien réel (il a fait l’objet d’un livre, What Artists Wear, en 2021, et d’une expo au Louvre-Lens l’an dernier, S'habiller en artiste), la réponse ne se résume pas à un sens inné de l’esthétique.  C’est ce que révèle L’Étoffe de l’artiste. De Rosa Bonheur à Sonia Delaunay, la nouvelle expo du musée Bourdelle (jusqu’au 24 janvier 2027). Née de la redécouverte, en 2020, des vêtements d’Antoine Bourdelle, inspirés des tenues de travail de son père menuisier, elle les confronte à ceux d’autres artistes du XIXe et du début du XXe siècle, à une époque où leur statut social est en pleine mutation. Depuis la création de l’Académie royale de peinture et de sculpture en 1648, les artistes s’émancipent progressivement de leur statut d’artisan. Avec l’émergence de la figure de l’artiste bohème et leur accès à la célébrité, le vêtement devient un outil de mise en scène. L’exposition confronte ainsi les tenues de Degas, Foujita, Klimt ou Rosa Bonheur à leurs portraits et autoportraits (dessins, peintures, sculptures et photographies), pour lesquels ils choisissaient soigneusement leur apparence. Le parcours thématique décrypte les logiques derrière les choix vestimentaires : à l’inverse de la blouse de l’artisan, la tenue d’académicien permet d’installer le statut...

Au musée de la Musique, Hassan Hajjaj met les stars en boîte. Billie Eilish, Madonna, Rachid Taha, Cardi B, Amadou et Mariam ou encore Alicia Keys défilent dans un grand salon marocain sous stéroïdes, où les canettes de soda font office de zelliges et les boîtes de conserve de moulures. My Rock Stars réunit près de quarante portraits, entre Marilyn pop art et culture du réemploi. Son truc, à Hassan Hajjaj ? Prendre les codes de la photo de studio, du luxe, du streetwear et du folklore marocain, les passer au shaker, puis servir le tout avec beaucoup de couleurs. Rachid Taha n’aurait pas pu trouver mieux en le surnommant “Andy Wahloo” (contraction d’Andy Warhol et du terme arabe walou, “rien”) ! Canettes, boîtes de conserve et emballages de consommation forment le cadre, tapis traditionnels se substituent au fond, et les célébrités, pourtant habituées à être photographiées, se font contorsionner par ce touche-à-tout britanno-marocain qui les noie sous une tonne d’accessoires et de sapes à lui, quitte à les faire disparaître sous le costume. On est loin de la photo Getty de tapis rouge.  Derrière les couleurs et la bonne humeur, l’expo raconte aussi une histoire de circulations. Larache, Londres, reggae, dub, hip-hop, gnawa, capoeira… Hassan Hajjaj, qui a grandi dans ce collage culturel, en a fait une méthode artistique, inspiré par les photographes maliens Malick Sidibé et Seydou Keïta et les studios de rue sénégalais des années 1950. La première partie, Roots: From Larache...

Avant d’entrer dans l’exposition “Un vestiaire à soi. Féminités dissidentes au 19e siècle” au Palais Galliera, on associe facilement la mode féminine de cette époque à une garde-robe ultra-féminine. L’exposition prend pourtant le contre-pied de cette idée reçue en s’intéressant aux appropriations du vestiaire masculin par les femmes, “un manque important dans l’histoire de la mode” que le musée de la Mode de Paris souhaitait combler avec cette exposition, présentée jusqu’au 14 février 2027. Au fil de la visite, on comprend que ces appropriations se multiplient dès la fin du XVIIIe siècle, en parallèle d’une histoire plus conventionnelle du costume qui brille ici presque par son absence, au profit de ce récit alternatif. Cette pratique est aujourd’hui si courante qu’on oublierait presque ce qu’elle avait de dissident à l’époque. L’exposition s’emploie justement à le rappeler, dès l’entrée, à travers des caricatures de presse assorties des premières silhouettes. Elle place aussi le parcours sous le signe d’une quête de liberté, ne serait-ce que de mouvement, avec l’adoption de tenues confectionnées par des tailleurs – les seuls vêtements que des hommes fabriquent alors pour des femmes – pour monter à cheval puis faire du vélo. Dans une scénographie labyrinthique qui ne perd jamais le visiteur, dont l’attention est renouvelée grâce à une grande variété d’entrées thématiques, le parcours chronologique permet de suivre l’évolution des vêtements à travers de nombreuses pièces...

Non, Kerry James Marshall n’a rien à voir avec Kery James, boss de la Mafia K’1 Fry. Quoique : cette rétrospective organisée par le Musée d’Art Moderne, la première française consacrée au peintre américain, a elle aussi du flow et des revendications. 70 œuvres, dont huit inédites, retracent plus de quarante ans de travail autour d’une question : qui a vraiment le droit d’apparaître dans l’Histoire de l’art ? Chez Marshall, les figures noires reprennent ainsi le premier rôle dans une peinture occidentale qui les a longtemps invisibilisées, jusqu’à occuper toute la scène dans des toiles parfois monumentales. L’expo s’ouvre sur de grands classiques, comme « Invisible Man » (1980), inspiré de l’ouvrage du même nom de Ralph Ellison. L’approche est radicale, la gamme de pigments noirs utilisée est plus que bre-som.  Plus loin, « De Style » paraît moins politique (ce n’est pas le cas) et nous plonge dans un salon de coiffure afro, où les clients semblent nous prendre en flagrant délit d’observation. Le grand geste ? Transformer une scène quotidienne en peinture d’histoire. Car Kerry James Marshall ne peint pas seulement des personnes noires : il peint surtout leur absence dans l’histoire de l’art. Nuance, et pas des moindres. Pensé de manière chrono-thématique, le parcours avance par cycles, comme une playlist bien mixée. On passe de l’esclavage à la vie quotidienne, du mouvement des droits civiques, des Black Power aux portraits imaginaires de figures historiques, pour amorcer...

Il était temps de rendre à Eva Gonzalès son nom, et, accessoirement, sa place. Après des décennies à jouer les figurantes dans l’histoire de l’impressionnisme, coincée entre Berthe Morisot et l’ombre XXL de son mentor Manet, la voici enfin la vedette de sa propre expo au Petit Palais, dans une première rétrospective française d’envergure. Et pour une artiste trop longtemps rangée dans la catégorie « à découvrir si vous voulez approfondir », cette entrée dans la prog parisienne est plutôt classe : près de 100 œuvres venues de Londres, Chicago, Denver, Brême ou encore Madrid constituent cette monographie en collaboration avec le Van Gogh Museum d’Amsterdam. « Parcours d’une artiste libre » Le titre, à lui seul, résume toute sa vie : « Parcours d’une artiste libre ». Libre d’exercer dans un monde où les Beaux-Arts fermaient leurs portes aux femmes. Libre de faire de la peinture son métier, et jamais le passe-temps d’une jeune fille bien née. Libre de vouloir imposer sa peinture au Salon, plutôt que de jouer les outsiders avec le reste des Impressionnistes… Car Eva Gonzalès mérite mieux qu’un statut de victime, comme on a tendance à l’accorder à tous ces artistes mis de côté par l’Histoire de l’Art en raison de leur genre ou de leurs origines. Déjà, elle, elle n’est pas si inconnue : sa toile « Une loge aux Italiens » a vu défiler tous les visiteurs du musée d’Orsay. Pourtant, on ne connaît pas grand-chose d’elle, ni de sa vie, ni du reste de son œuvre, aussi dense soit-elle...

Après dix mille vies (opérette, ballet russe, cirque, parc d'attractions, pillé durant l’Occupation) et dix ans de travaux, le théâtre de la Gaîté s'est transformé en 2011 en épicentre de la vie culturelle parisienne 2.0. Son architecture intérieure, décor ultra-moderne signé Manuelle Gautrand bousculant audacieusement le style Belle Epoque ornemental d'origine, est aussi atypique que sa programmation. Ses sept étages pluridisciplinaires propulsent les visiteurs au plus profond de l’ère numérique : arts plastiques, musique, graphisme, cinéma, mode, design et jeux vidéo, les arts digitalisés règnent sur les lieux.  Une nouvelle équipe depuis 2023 En 2023, une nouvelle direction a pris les commandes, l’union d’Arty Farty (Nuits sonores, European Lab), Arte France, makesense, asso qui soutient les entrepreneurs sociaux, et l’ONG Singa, qui favorise l’inclusion des nouveaux arrivants sur les territoires. Les éditions arlésiennes Actes Sud sont aussi de la partie en qualité de partenaire éditorial. Leur projet, intitulé Fabrique de l’époque, entend jeter un pont entre création et engagement. Niveau programmation, la Gaîté Lyrique vise très large, avec des débats sur le rap, des ateliers de danse, des enregistrements de podcast, des expos, un ciné-club, des masterclass… Et bien sûr de la musique et de la fête, dans sa grande salle toute couverte d’écrans de 850 places, entre battles de danse, germinaux balls de voguing, concerts et soirées électroniques de qualité puisque...

Avez-vous déjà désiré quelque chose pendant plus de trente ans ? Les amateurs de Bach et Strauss, eux, oui. Pendant presque quatre décennies, ils ont attendu, en rang serré derrière Pierre Boulez, une salle parisienne digne de la musique classique, à l'acoustique soignée et à la capacité augmentée. Elle a finalement ouvert ses portes en janvier 2015, du côté de la porte de Pantin, loin des quartiers où soufflent habituellement les vents de l’orchestre. L’Orchestre de Paris comme hôte  La Philharmonie, avec sa grande salle de 2 400 places, associée à la déjà très attirante Cité de la Musique, propose une programmation faste et foisonnante menée notamment par les musiciens résidents de l’Orchestre de Paris, qui se font plaisir en invitant de prestigieux chefs étrangers comme Esa-Pekka Salonen. Le paquebot de Jean Nouvel – dont le budget faramineux a charrié foule de critiques – accueille aussi quelques dates des festivals Days Off début juillet et Jazz à la Villette à la fin du mois d’août. Et ses 1 100 mètres carrés d'espace d'exposition ont présenté des expos saluées par le public (consacrées au hip-hop, à la musique électronique et bientôt au metal), et un pôle éducatif de 1 750 mètres carrés.  Désireuse de trouver de nouveaux adeptes, la Philharmonie a fait un pas vers le grand public. Outre les noms à l'affiche – Oxmo Puccino y fête ses 50 ans avec une résidence de trois jours –, l'auditorium peut également compter sur la place centrale accordée au public : la distance...

Le Loft du 34, c'est la mort des "white cubes". Cet espace atypique, situé en plein coeur de Saint Germain des Prés, au fond d'une cour pavée de la rue du Dragon, ressemble en effet plus à un appartement qu'à une galerie d'art. La cuisine américaine, ouverte sur les tableaux des meilleurs street-artistes accrochés en ces lieux, témoigne d'ailleurs du passé immobilier de l'endroit.Ayant conservé le charme de ses murs en pierres et de ses poutres apparentes, le Loft du 34 a donc la chaleur d'un chez-soi plus que d'une salle d'exposition aseptisée. Une ambiance accueillante et conviviale que renforcent les oeuvres colorées que l'on peut y admirer, de même que le sourire de ses propriétaires. Sans oublier, cerise sur le gâteau, que le Loft du 34 est couplé avec un appartement (au 3e étage) où les plus grands virtuoses de la scène urbaine (Astro, Dacruz, Marko93...) s'en donnent à coeur joie sur les murs, le sol, et même le plafond !

Ouverte en 2018, en plein cœur du Marais, Lafayette Anticipations est l'ambitieuse entité dédiée à l’art contemporain de la Fondation d’entreprise Galeries Lafayette. Sorte de mini-Palais de Tokyo (2 200 m2 vs 22 000 m2), Lafayette Anticipations n’est pas un musée. Une galerie ? Plutôt un objet d’art non identifié ayant à cœur de proposer des expériences plus que des expositions. Ce qui rend l'espace unique ? Son sous-sol. Au niveau le plus bas, on trouve un atelier de 400 m2 réservé aux artistes invités. Signée du Hollandais Rem Koolhaas, la rénovation de l'immeuble de quatre étages est assez époustouflante, avec des hauteurs à donner le vertige : 20 mètres de haut pour une tour perchée au milieu de la cour d’un bâtiment classé. L’alliance du moderne et de l’ancien fonctionne. Comme des enfants dans un magasin de bonbons, on découvre les yeux écarquillés une programmation qui entremêle expositions (gratuites !) comme celles de Rachel Rose ou de Martin Margiela, installations, performances et concert avec l'aventureux festival Closer Music. Le détour idéal pour admirer vite et bien les talents qui anticipent l’art de demain.